Es esa época del año, los largos días de verano están llegando a su fin. Todo el mundo está planificando reuniones y escapadas de última hora. Cuando la gente regresa a la ciudad después de haber pasado un verano en la montaña o en la costa, volvemos a nuestras rutinas. Se hacen los preparativos para regresar al trabajo y la escuela.
Las temperaturas están bajando y las hojas comienzan a cambiar de color, lo que indica el comienzo del otoño. Todos sabemos que el cambio de clima trae consigo resfriados y gripe y en este momento ese es un escenario un poco estresante.
Este septiembre en particular puede causar ansiedad a algunos con preguntas sobre cómo las escuelas y las oficinas manejarán el regreso en medio de la pandemia. En Shine Music School tenemos la suerte de ofrecer a nuestros alumnos clases tanto desde nuestros estudios en Barcelona como lecciones online.
Enseñar a los estudiantes de manera online ofrece una experiencia de aprendizaje libre de ansiedad, no solo puede permanecer seguro en casa, sino que las lecciones online pueden ser convenientes, económicas e intensivas, los estudiantes pueden lograr más en menos tiempo y tienen la flexibilidad de aprender desde cualquier parte del mundo.
¿Cómo afronta Catalunya el Covid-19?
El Gobierno español ha anunciado medidas para minimizar la transmisión de Covid-19 a medida que todos regresen al trabajo y a la escuela. Esta normativa es de aplicación en toda España con la normativa implementada por las autoridades educativas de cada comunidad autónoma. Aquí en Catalunya, el ministro de Educación, Josep Bargalló, ha hecho de la apertura de escuelas una prioridad. A pesar de las dificultades inherentes provocadas por el coronavirus, el gobierno comprende la importancia que las escuelas juegan no solo en la educación sino también en los servicios esenciales que brinda.
¿Entonces, cómo funciona?
Por supuesto, las mascarillas serán obligatorias para todos los mayores de 6 años. También se animará a los niños más pequeños a que las usen. Debe observarse una distancia física de 1,5 m con todas las personas fuera de su hogar. También el lavado de manos regular y la desinfección de manos y superficies. Se tomarán las temperaturas en ciertas instituciones para controlar las tasas de fiebre. Siempre que sea posible, se fomentarán las actividades al aire libre.
Las escuelas donde se lleva a cabo el aprendizaje en grupo seguirán las pautas de la “burbuja”, donde se minimizan las interacciones con otros grupos. El covid-19 será monitoreado mediante el uso de aplicaciones y un esfuerzo coordinado entre los CAP. Tanto el personal como los estudiantes serán responsables de respetar estas regulaciones así como también el cuidado de su salud. Si un alumno o profesor se encuentra mal, se quedará en casa y si presenta síntomas de Corona, se le realizará una prueba de PCR.
Si alguna prueba da positivo, todas las personas del grupo o burbuja deberán ponerse en cuarentena durante 14 días en casa. Si se informa más de un caso en una escuela, se cerrará temporalmente.
¡Prepararse!
Compre un paquete de mascarillas y un pequeño gel desinfectante de manos recargable que pueda llevar consigo en todo momento. Practique un distanciamiento social saludable y seguro, y recuerde que no solo se protege a usted mismo, sino también a sus seres queridos y colegas.
En Estudio Shine
Nuestras lecciones de música son individuales y cada lección se lleva a cabo en aulas separadas. Cada salón tiene gel desinfectante para manos y se espera que los estudiantes y maestros usen máscaras cuando corresponda. Esperamos que todo nuestro personal y estudiantes sean responsables al ingresar a la escuela y respetuosos entre sí. Durante este tiempo, estamos fomentando el aprendizaje en línea para proteger a nuestros maestros y estudiantes. También estamos implementando medidas para reducir el tráfico peatonal en nuestros estudios de Barcelona.
Nuestros profesores están totalmente equipados para ofrecer excelentes lecciones de música online individuales, así como lecciones grupales. También comenzaremos a ofrecer cursos y clases magistrales en línea. Shine también ofrece instrumentos de alquiler a los estudiantes que deseen estudiar en casa y también puede ayudar a facilitar la compra de instrumentos.
Nuestro concierto escolar online fue excepcionalmente exitoso y continuaremos maximizando nuestra experiencia de aprendizaje en línea por el momento.
Si se siente algo ansioso por sus lecciones de música en cualquiera de nuestros estudios, lo alentamos a que comience a aprender online con nosotros. La música no solo es un método probado para reducir el estrés, sino que estudiar música ejercita tu cerebro, ayudándonos a convertirnos en seres humanos adaptables, estables y más inteligentes.
No dejes que la preocupación o el coronavirus interrumpa tu vida, ¡pero haz los cambios correctos para mejorar tu situación para que podamos disfrutar de la música juntos! ¡Comuníquese con la escuela con cualquier pregunta que pueda tener!
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Mary Lou Williams, nacida en 1910, fue una pianista y compositora de Atlanta, EE. UU, pero también, la primera mujer en ser clasificada entre los mejores músicos de jazz, que hasta el momento solo eran hombres. Mary Lou Williams fue una importante contribuyente a todos los aspectos del jazz.
Su carrera comenzó a finales de la década de 1920 y duró más de medio siglo. Comenzó a tocar el piano debido a que su madre, una pianista de formación clásica, le motivó. Mary ya tocaba melodías simples a los dos años y a los cuatro ya era una prodigio con un tono perfecto y una memoria musical muy desarrollada. A los diez años era conocida como “la niña pianista” y actuaba para pequeñas audiencias en todo Pittsburgh, Pensilvania. Su debut profesional con grandes bandas fue en 1922, a los doce años, cuando sustituyó a un pianista en Buzz and Harris Revue, un espectáculo itinerante.
https://www.youtube.com/watch?v=ktmyulf11sQ
En 1925, con solo 15 años, Williams trabajaba como música a tiempo completo y tenía un estatus consolidado como una gran jazzista. Ayudó a desarrollar el sonido swing de Kansas City de la década de 1930. Y en la década de 1940, fue mentora de algunos de los innovadores más famosos del bebop, como Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Thelonious Monk.
Williams era una experta en su instrumento y todo lo que aparentemente «le faltaba» por no ser un hombre lo compensaba en el escenario. Su habilidad musical le permitió ganarse el respeto de muchos hombres, tanto dentro como fuera de la comunidad del jazz. Mary Lou se centró en la difícil situación de su raza y lamentó la pérdida de la herencia del jazz, e incluso más adelante en su carrera intentó educar a los jóvenes negros de la próxima generación sobre su herencia del jazz. Las preocupaciones y actividades de Mary Lou eran nobles y se basaban en su preocupación por el racismo.
A menudo tuvo que legitimar su lugar en el escenario mediante una demostración de su habilidad musical. Simplemente porque era una mujer, los hombres de su campo no esperaban que tuviera habilidades equivalentes a las de un hombre. El lugar culturalmente apropiado para Mary Lou no era el escenario, sino el hogar. Mary Lou rompió los roles de género culturalmente apropiados al perseguir su música en lugar de la maternidad.
En las décadas de 1960 y 1970 compuso una serie de piezas litúrgicas para conjuntos de jazz, entre las que se encuentran el Cristo negro de los Andes (1962), una cantata; Misa de Cuaresma (1968); y Música por la paz (1970), conocida popularmente como «Misa de Mary Lou». En 1970 también grabó una interpretación-conferencia integral titulada La historia del jazz. Cinco años más tarde fue nombrada miembro de la facultad de la Universidad de Massachusetts, Amherst, y en 1977 miembro de la facultad de la Universidad de Duke.
Mary Lou estuvo fue víctima y testigo de muchas agresiones raciales a lo largo de su vida y carrera como pianista de jazz. La raza y el género se combinaron para dificultar mucho su carrera ya que Mary Lou Williams no solo era una mujer, sino que también era una mujer negra, y las mujeres negras en la primera parte del siglo XX no tenían muchos derechos. Teniendo un talento indudable, pasaron muchos años hasta que los críticos respondieron a la música de Mary Lou y la clasificaron como legítima.
Mientras trabajaba y realizaba una gira con la banda de Andy Kirk, The Clouds of Joy, Mary experimentó de primera mano las dificultades de la segregación. Viajando incluso a una ciudad «del norte» como Kansas City, los efectos de la segregación siguieron siendo desenfrenados; incluso los sindicatos de músicos estaban segregados. Afortunadamente para Andy Kirk y la banda, esto no les impidió actuar en diversos escenarios. Por el contrario, más adelante en su carrera, Mary Lou trabajó en Café Society Downtown, un club en la ciudad de Nueva York que practicaba la integración total y trataba a negros y blancos por igual, y también ofreció su tiempo como beneficio para la NAACP así como para el Comité de el negro en las artes.
Para Williams, el jazz era una herramienta de expresión vasta y poderosa y, en su opinión, podía servir como un portal crucial y necesario para que los pueblos negros pudieran comunicarse y transmitir las complejidades de su pasado. En muchas ocasiones, se dedicó a escribir, de manera informal en ensayos y cartas inéditos, pero también en ocasiones en foros públicos, con el fin de elaborar sobre las formas en que su propia «música moderna» era una declaración en el «progreso» estético y, sin embargo, asimismo, constitutivo de formas antiguas.
Su última grabación fue “Solo Recital” (Festival de Jazz de Montreux, 1978), tres años antes de su muerte, una mezcla de temas espirituales, ragtime, blues y swing. En 1981, Mary Lou Williams murió de cáncer en Durham, Carolina del Norte, a la edad de 71 años. Dizzy Gillespie, Benny Goodman y Andy Kirk asistieron a su funeral en la Iglesia de San Ignacio de Loyola. Fue enterrada en el cementerio católico Calvary en Pittsburgh. Mirando hacia el final de su vida, Mary Lou Williams dijo: «Lo hice, ¿no? A través de lodo y barro». Y hasta hoy la recordamos como «la primera dama del teclado de jazz».
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Las recientes protestas de Black Lives Matter en los Estados Unidos y en todo el mundo han despertado un interés positivo en educarnos sobre la comprensión del racismo y reconocer su prevalencia en nuestras sociedades. El conocimiento de nuestra historia puede ayudarnos a todos a hacer los cambios correctos para avanzar y construir un mundo que celebre la diversidad cultural.
La historia de la música no es diferente, y es imposible no reconocer el genio de una multitud de músicos negros, o ignorar sus contribuciones y avances en el arte. A pesar de esto, en los últimos 200 años, muchos compositores negros casi han sido olvidados o pasados por alto, a pesar de haber luchado contra todo pronóstico para ser escuchados. Incluso ahora, sus sinfonías y óperas, conciertos y cuartetos a menudo se ignoran y siguen teniendo un rendimiento inferior.
Shine Music School comenzó en Sudáfrica después del apartheid, y somos conscientes de las desigualdades institucionalizadas en nuestra vida cotidiana. Aun así, todavía tenemos un largo camino por recorrer para educarnos. ¡Dejemos de estar en silencio, deje de esperar y aboguemos por el cambio! Elevemos y apoyemos a músicos y compositores negros. En el artículo de hoy, observamos a 6 fascinantes compositores musicales y destacamos algunas de sus obras.
¡Escuche su música, toque e interprete sus piezas, es una manera de contribuir!
Nuestro primer compositor no es otro que Chevalier de Saint-Georges (1745-1799). Si eres francés, puedes haber oído hablar de él. Este chico llevó una vida extraordinaria. ¡Lleno de aventuras de capa y espada, política, reyes, reinas, drama y, por último, música! ¡Es material de las películas! Nacido en el Caribe francés, hijo de un rico propietario de plantaciones y una esclava de 16 años; Joseph Bologne, o Saint-Georges (como se lo conoce mejor) fue llevado a Francia a una edad temprana por su padre, donde continuó pasando la mayor parte del resto de su vida.
St-Georges creció en la alta sociedad francesa, pero su herencia mestiza lo limitó de muchas maneras. Era único por su color y estatus, pero por las mismas razones nunca pudo casarse y, aunque su experiencia musical fue reconocida, no se le permitió asumir ciertos nombramientos, como el director de la Académie royale de musique, Paris Opéra.
Se hizo un nombre como campeón de esgrima, incluso peleó contra cuatro hombres en un intento de asesinato por sus implicaciones políticas. Se convirtió en Coronel en la Legión francesa durante la Revolución. En un momento vivió en la misma casa que Mozart, y de hecho puede haber influido en su homólogo más joven. Fue un prolífico compositor (con multitud de óperas, conciertos para violín, sinfonías y numerosas obras de cámara en su haber) y un talentoso violinista. Saint-Georges incluso tocó en conciertos íntimos para María Antonieta, y una representación de su segunda ópera, La Chasse se realizó a petición suya en el castillo real de Marly. Después de que la Revolución destrozó a Francia, St-Georges se vio obligado a abandonar el ejército con poco que mostrar por sus logros, volvió a su música y continuó componiendo y perfeccionando su violín. Murió a los 53 años de lo que parece ser gangrena. Lea más sobre su música y su fascinante vida.
Harry Lawrence Freeman (1869-1954) fue el primer afroamericano en escribir una ópera (Epthalia, 1891) que se produjo con éxito. Fue compositor, músico, director de orquesta y profesor de música y fundó la Freeman School of Music y la Freeman School of Grand Opera. Durante su vida, fue conocido como «el Wagner negro«.
Alrededor de 1908, Freeman trasladó a su familia al barrio de Harlem de la ciudad de Nueva York, donde el Renacimiento de Harlem estaba empezando a funcionar. El trabajo de Freeman ya era bien conocido y en algún momento de 1912, el compositor ragtime Scott Joplin, que vivía en Nueva York, le pidió a Freeman que lo ayudara a revisar su ópera de tres actos, «Treemonisha», cuya producción se detuvo el año anterior. Freeman abrió una escuela de música en Nueva York.
Freeman compuso una serie de óperas y otras obras musicales, la más famosa es su ópera Voodoo.
“En las últimas dos décadas de su vida, luchó para obtener presentaciones de su trabajo. Casi toda su música era inédita en el momento de su muerte, y nunca se han publicado comercialmente grabaciones de sus obras. Veintiuna de sus óperas, así como muchas de sus otras obras, sobreviven en los propios manuscritos de Freeman y se guardan en una colección de sus documentos en la Universidad de Columbia» (fuente)
Scott Joplin (1868 – 1917) fue un compositor y pianista estadounidense. Apodado el Rey del Ragtime, fue más conocido por sus piezas de ragtime, incluida su composición más famosa «Maple Leaf Rag», que hoy se consideraría el éxito número uno de Billboard de ragtime. Fue un compositor prolífico, y escribió dos óperas, aunque fueron menos populares, y luchó para ser reconocido por sus composiciones clásicas. Enseñó piano, y aunque su éxito popular ayudó a mantenerlo durante toda su vida, con frecuencia se encontró en dificultades financieras y la partitura de su primera ópera, A Guest of Honor, fue confiscada en 1903 con sus pertenencias por pago de facturas, y ahora se considera perdido. (fuente) Ninguna de sus óperas se realizó en su vida, y la música ragtime murió con él. Fue galardonado póstumamente con el Premio Pulitzer en la década de 1970, y finalmente se realizó Treemonisha. Sus composiciones ragtime han influenciado el jazz y la música swing de big band.
Florence B Price (1887-1953) Fue una compositora clásica, pianista, organista y profesora de música. Se convirtió en la primera mujer afroamericana en tener una obra interpretada por una gran orquesta. En 1933, la Sinfonía de Chicago realizó su Sinfonía en mi menor por primera vez. Aunque se la considera exitosa en su vida, sus numerosas composiciones rara vez se tocan hoy. Si considera la época en que estaba escribiendo y tocando música, sus logros son enormes.
Florencia creció en el sur de los Estados Unidos. Su familia estaba bien y ella era una látigo inteligente, valedictorian de su clase. Ella escapó de algunos prejuicios al identificarse como mexicana durante sus estudios en Boston, pero luego regresó al sur y se casó solo para mudarse nuevamente durante lo que se conoce como la Gran Migraciónn para escapar de las condiciones de Jim Crow en el sur profundo. La familia Price finalmente se estableció en Chicago. A pesar de las posibilidades de ser negro y mujer, estudió composición, orquestación y órgano con los mejores maestros de la ciudad, y publicó cuatro piezas para piano en 1928. Su matrimonio se vino abajo y Florence trabajó duro para mantenerse a sí misma y a sus hijos. Price hizo un uso considerable de melodías y ritmos afroamericanos característicos en muchas de sus obras. (fuente) Ganó varios premios musicales y escribió numerosas piezas para orquestas, y para cine y publicidad bajo un seudónimo. A pesar de esto, estuvo casi olvidada hasta que «en 2009, se encontró una colección sustancial de sus obras y documentos en una casa abandonada en ruinas en las afueras de St. Anne, Illinois. Estaban compuestos por docenas de sus partituras, incluidos sus dos conciertos para violín y su cuarta sinfonía Como Alex Ross declaró en The New Yorker en febrero de 2018, “no solo Price no pudo ingresar al canon; una gran cantidad de su música estuvo peligrosamente cerca de la destrucción. Esa casa en ruinas en St. Anne es un potente símbolo de cómo un país puede olvidar su historia cultural «. (fuente)
Su trabajo ha conseguido actualmente más reconocimiento:
Francis “Frank” Johnson (1792 – 1844) fue otro prolífico compositor afroamericano durante el período anterior a la guerra. Puede leer más sobre ese período de tiempo en nuestro artículo sobre El Banjo. Los compositores afroamericanos fueron escasos en Estados Unidos durante este período, pero Johnson fue uno de los pocos que tuvo éxito. ¡Este chico podría hacerlo todo! Actuando en el clarín Kent (ahora raro) y el violín, escribió cientos de composiciones en una multitud de estilos: aires operativos, canciones de trovadores etíopes, marchas patrióticas y varios bailes. Johnson fue el primer compositor afroamericano en publicar sus obras como partituras. Su música de baile fue publicada y tocada en bailes de todo el país. Solo sus manuscritos y transcripciones de piano sobreviven hoy. Incluso actuó para la reina Victoria. También fue el primer afroamericano en dar conciertos públicos y el primero en participar en conciertos racialmente integrados en los Estados Unidos.
Como no existen grabaciones reales de su trabajo y los críticos del momento no entraron en muchos detalles, los historiadores suponen que el trabajo de Johnsons incluyó muchos detalles que no están registrados en las publicaciones reales de sus transcripciones. De acuerdo con wikipedia:
“Las cuentas disponibles muestran que su composición y su interpretación deben haber tenido cualidades que no pueden reconstruirse a partir de los manuscritos sobrevivientes. Los relatos históricos sugieren que sus actuaciones infundieron cambios rítmicos estilísticos, que difieren de las versiones escritas, que fueron inferidas por los artistas o instruidas verbalmente. Se presume que esto es similar a las improvisaciones hechas por los músicos dejazzde hoy, aunque las prácticas y modismos actuales probablemente sean muy diferentes de los utilizados por Johnson. Pudo crear música, armonías y efectos interesantes que difieren de las armonías diatónicas y las melodías triádicas que eran populares en ese momento «.
¡Sus actuaciones deben haber sido algo para ver!
Y finalmente George Walker, (1922-2018), fue el primer compositor clásico negro estadounidense en recibir el premio Pulitzer de música (para Lilacs, una pieza para voz y orquesta, en 1996) mientras aún estaba vivo. Walker equilibró una carrera como pianista de concierto, maestro y compositor. Fue un hombre de primicias, primer instrumentista negro en aparecer con la Orquesta de Filadelfia, primer instrumentista negro en ser firmado por una gerencia importante, los Artistas Nacionales del Concierto. ¡Se convirtió en el primer receptor negro de un doctorado de Eastman School of Music y la lista continúa! El cuerpo de trabajo de Walkers incluyó más de 90 obras para orquesta, orquesta de cámara, piano, cuerdas, voz, órgano, clarinete, guitarra, metal, instrumentos de viento de madera y coro. Sin embargo, a pesar de todos sus logros, sigue siendo una figura de culto en el mundo de la composición contemporánea. (lee más aquí)
El banjo, instrumento musical de 4, 5, 6 o 10 cuerdas, está constituido por un anillo de madera de unos 35cm de diámetro y recubierto por un parche que puede ser de plástico (en su estilo moderno) o piel (en su versión tradicional). Su sonido es uno de lo más inconfundibles y característicos que existen.
Este instrumento fue desarrollado en Estados Unidos en el siglo XIX. Fueron los músicos negros los que exploraron todas sus posibilidades rítmicas. Si bien fueron los negros los que más lo exploraron y tocaron, se convirtió rápidamente en el instrumento característico de la música estadounidense. Logró que se desarrolle una interacción entre blancos y negros en el uso del instrumento, los primeros siendo más observadores que músicos. Se desarrollaron representaciones grotescas de la cultura negra con parodias y canciones tocadas por artistas blancos en espectáculos. Muchos de estos artistas blancos que hacían estos juglares eran irlandeses. Así fue como el banjo terminó por convertirse también en un instrumento característico de la música de Irlanda.
Puedes leer mas de la historia de los espectáculos y el banjo en wikipedia.
En muchas zonas de áfrica hay instrumentos muy similares, desde su construcción hasta su sonido.
La versión original, o primera, del banjo tiene un abertura en la parte trasera (openback). En el siglo XX, se renovó el diseño del instrumento con un resonador de madera que sirve como cierre. A este último se lo llamó el banjo de bluegrass, con mayor volúmen y resonancia que su primera versión.
Un hermoso músico del banjo tradicional es Doc Watson tocando “The Cuckoo bird”:
Actualmente, ambos tipos siguen en vigencia y elegir uno u otro depende del estilo musical que se esté haciendo. Además hoy podemos encontrar una gran variedad de instrumentos distintos que se crearon a partir del original, variando la longitud del mástil, el número de cuerdas, y combinandosé con otros instrumentos. Su origen está en situado en los Estados Unidos en el siglo XIX. Los músicos negros exploraron su rítmica y en 1890 llegó a convertirse en el instrumento musical principal de la música tradicional estadounidense. Tanto en la música country como en el jazz el banjo es el instrumento característico. Hasta el charlestón y el foxtrot usan este instrumento en algunas variantes especiales.
El banjo moderno, tiene una gran variedad de formas en versiones de cuatro o cinco cuerdas (¡también una versión con seis, afinada y tocada igual que una guitarra!). Suele tocarse el banjo con un rasgueo rápido, igualmente es posible encontrar muchos estilos.
Si queremos ver como se toca y suena el banjo moderno, no tenemos que perdernos este video de The Dead South haciendo “In the Hell I’ll be in good”:
Su afinación es con clavijas de fricción o engranajes (no con tornillos sin fin como las guitarras). Sus cuerdas actualmente suelen ser metálicas, mientras que los que deciden buscar sonidos más melodiosos, o tradicionales, prefieren de cuerdas de nylon o cuero.
Bill Keith, banjoista de cinco cuerdas, hizo una de las mayores contribuciones al desarrollo estilístico del instrumento. Variando otros estilos creó lo que se conocería luego como estilo melódico o estilo Keith.
Aquí un video de Bill Keith tocando “Caravan”:
Si te interesa aprender a tocar el banjo puedes tomar clases con excelentes profesores.
¡Puedes contactarnos para coordinar una primera clase de prueba gratis!
Y si tienes algunas herramientas en casa, puedes animarte a crear tu propio banjo y experimentar por vos mismo su sonido.
¡Explorar la ciencia del sonido con niños resulta interesante y divertido! Entonces, ¿qué es el sonido?
El sonido es una vibración que crece como una onda acústica, a través de un canal como el gas, el líquido o lo sólido. Interpretamos estas vibraciones y ondas mediante nuestros oídos y cerebros. Los humanos solo pueden escuchar las ondas acústicas que tienen frecuencias entre 20 Hz y 20 kHz. Las ondas de sonido por encima de 20 kHz son conocidas como ultrasonido y no son audibles para los humanos. Las ondas sonoras por debajo de 20 Hz se conocen como infrasonidos. Las diferentes especies de animales tienen rangos auditivos variables.
Las ondas sonoras viajan a nuestros canales auditivos hasta llegar al tímpano. El tímpano pasa las vibraciones acústicas a través de los huesos del oído medio hacia el oído interno. El oído interno tiene la forma de un pequeño caracol y se denomina cóclea. Dentro de la cóclea, hay miles de pequeñas células que parecen pelitos. Estas células convierten las vibraciones en señales eléctricas que son enviadas a nuestros cerebros a través del nervio auditivo. El cerebro te dice que estás escuchando un sonido y qué es ese sonido.
¡Con los siguientes experimentos divertidos puedes demostrar el sonido y experimentar con la música!
Vasos de agua de xilófono
¡Los instrumentos musicales son muy divertidos de realizar!
Esta actividad de sonido muestra cómo diferentes cantidades de agua en los recipientes cambian el tono del sonido creado.
Utensilios necesarios:
4 vasos vacíos
Agua
Cuchara de madera
Qué hacer:
Rellena cada vaso con varias cantidades de agua.
Añade a cada vaso algunas gotas de colorante alimentario para darle un toque divertido.
Usando la cuchara, golpee la parte externa o superior de cada vaso. ¿Qué sonidos están haciendo? ¿Cuáles tienen el tono más alto y más bajo?
¡Juega con los niveles de agua en cada vaso y experimenta con el tono! Incluso puedes agregar más vasos e intentar crear tus propias canciones. Pruebe con simples canciones como «Twinkle, twinkle little star».
Escuchar sonidos viajar bajo el agua
¡El sonido viaja bien por el aire, pero viaja aún mejor a través del agua! Este sencillo experimento de sonido es mejor hacerlo en una terraza o balcón, o incluso quizás en el baño. Lo mejor es, por supuesto, si puedes hacerlo bajo el agua en una piscina o en la playa.
Utensilios necesarios:
Un balde lleno de agua
Una botella plástica grande de agua o un refresco
Al menos 2 cuchillos de cocina/cucharas
Tijeras o cuchillo afilado para cortar la botella
Qué hacer:
Después de llenar el balde con agua, tome un cuchillo afilado o unas tijeras de cocina y corte el fondo de la botella plástica de agua. Saca la tapa de la botella.
Indique a su hijo que coloque la botella en el agua para que el fondo cortado quede dentro. Luego, su hijo o hija colocará la oreja en la parte superior de la botella para escuchar.
Usar los cuchillos de cocina, chocarlos entre sí para crear un sonido, pero hágalo en el balde de agua mientras su hijo está escuchando. ¿Qué oye su hijo?
Es probable que su hijo haya notado que el sonido del ruido metálico es fuerte y claro. El sonido viaja más rápido a través del agua que en el aire, y los animales que viven bajo el agua pueden escuchar el sonido con claridad. Las ballenas y los delfines son bien conocidos por emitir sonidos y comunicarse bajo el agua. De hecho, puedes escuchar sonidos de ballenas a varios kilómetros de distancia.
Las ballenas también pueden emitir ondas de sonido de baja frecuencia que no podemos escuchar. Estas ondas de sonido pueden viajar muy lejos en el agua sin perder energía. ¡Los investigadores creen que algunos de estos sonidos de baja frecuencia pueden viajar más de 16,000 km en algunos niveles del océano! ¡Imagine poder escuchar ruidos provenientes de tan lejos!
Si vas a la playa este verano o estás en una piscina, trata de bucear y haz que alguien haga ruido bajo el agua. Es interesante utilizar su sentido del oído de esta manera.
En algunos spas, incluso tocan música relajante en la piscina usando micrófonos subacuáticos. Puedes flotar con los oídos sumergidos y escuchar la música.
Vaso de papel clásico
Utensilios necesarios:
2 vasos de papel
Una cuerda larga, como cuerda de pescar, cuerda de cometa
Un lápiz o aguja afilada para hacer huecos en los vasos
Tijeras
Qué hacer:
Comience cortando un trozo largo de hilo de al menos 10 metros.
Haz un pequeño agujero en el fondo de cada taza.
Usar cada extremo de la cuerda para pasarlas por la parte inferior de las tazas y ate un nudo grande para que la cuerda no se safe de la taza. Si hace los agujeros demasiado grandes, use una arandela o un sujetapapeles para mantener la cuerda en su lugar y que no se salga de la copa.
Ahora quédese lo suficientemente lejos como para que la cuerda se estire entre usted. Asegúrese de que la cuerda no toque ningún otro objeto y que permanezca suspendida en el aire mientras termina el experimento.
Túrnense, hablen por la taza, mientras la otra persona escucha poniéndosela al oído. ¡Dígale a su hijo o hija que repita lo que oye después de que usted haya hablado y hagan lo mismo a cambio!
Después del experimento, explíquele a su hijo lo que está sucediendo: las ondas de sonido creadas al hablar por la copa viajan a través de la línea hacia el otro extremo, ¡convirtiéndose nuevamente en sonido en el lado opuesto!
Ernst Florens Friedrich Chladni fue un físico y músico alemán. Catalogado como el padre de la acústica, es conocido por su investigación sobre placas vibratorias y el cálculo de la velocidad del sonido para diferentes gases. (wikipedia)
Chladni usó una placa de metal cubierta de arena que hizo vibrar con un arco de violín, y vio cómo la arena creaba varios patrones dependiendo del tipo de vibración.
¡Haz tu propia vibratoria Chladni!
Utensilios necesarios:
Un tazón o bañera
envoltura de plástico o papel de cera
una banda elástica o cinta adhesiva
Sal
un mini altavoz portátil bluetooth o inalámbrico
Qué hacer:
Encienda su altavoz y colóquelo dentro del tazón. Su recipiente debe ser lo suficientemente grande como para que el altavoz quepa dentro.
Cubra la parte superior del tazón con una envoltura de plástico o papel de cera, asegurándose de que se muestre y se estire uniformemente sin pliegues. Sosténgalo en su lugar con la banda elástica o algunos pedazos de cinta adhesiva.
Espolvorea un poco de sal en la parte superior.
Elija una canción con mucho bajo o use el siguiente video para reproducirlo en el altavoz que está en el tazón.
¡Mira a ver qué pasa! Su hijo debe estar encantado con la forma en que la sal baila en la parte superior del tazón cuando el bajo hace vibrar el plástico o la cubierta de cera.
